ARTISTAS, BIOGRAFÍAS Y OBRAS
FRA ANGELICO
BIOGRAFÍA
Fra Angelico nace e Roma en
1395 y muere el 18 de febrero de 1455. En sus pinturas se puede ver que se
orientó hacia un arte expresivo, instalado en el espacio y bañado por la dulce
luz florentina, que no atenúa en absoluto la solidez de la composición y la
firmeza de los volúmenes. Fray Angélico utiliza colores decoristas y brillantes
para representar muy bien los sentimientos espirituales.
La pintura del beato Angélico
sorprende tanto por su calidad técnica como por la profunda devoción religiosa
que inspira.
OBRAS
PINTURA: LA ANUNCIACIÓN
Análisis Simbólico: La pintura representa
cuando el Ángel Gabriel anuncia la llegada de Jesús por medio de María, la
virgen en primer plano y en segundo plano se ve a Adán y Eva. Un rayo de Luz
simboliza el nuevo amanecer en la Historia de la Cristiandad.
Análisis de composición: La pintura tiene
formato horizontal donde la línea visual parte desde la parte izquierda hacia
la derecha. Las formas son definidas por lo que se puede afirmar que son
cerradas. El esquema compositivo parece ser una L donde el equilibrio
compositivo es de peso por tamaño, por el tamaño de la imagen de María y el
Arcángel. En cuanto al criterio compositivo cumple la ley de la compensación de
masas. Las figuras se encuentran en segundo y tercer plano. Utiliza colores claros
en la parte derecha un con oscuros en la izquierda.
PINTURA: LA CORONACIÓN DE LA VIRGEN
Análisis Simbólico: El cuadro representa
el momento en el cual María es coronada por ser símbolo de la virginidad, y los
santos que se encuentran alrededor la admiran.
Análisis de
composición: El formato se encuentra en vertical donde la tensión de la vista
se centra en la parte superior, cuyas formas son delimitadas por lo tanto son
cerradas, el esquema compositivo es un triángulo con equilibrio compositivo de
peso por tamaño. Tiene simetría axial. Las figuras resultan ser los santos,
María y Jesús que es quien la corona. Los colores utilizados son claros de
maneras que se encuentra en el cuadro bastante iluminación y contraste con los
colores fríos con un poco de los cálidos.
LEON BATTISTA ALBERTI (1404-1472)
(Quattrocento)
BIOGRAFÍA
El italiano Leon Battista Alberti fue,
además de arquitecto, el primer teórico del arte del renacimiento.
Nació en Génova el 14 de febrero de 1404.
Era hijo de Lorenzo Alberti, miembro de una rica familia de comerciantes y
banqueros. Recibió una esmerada formación en la escuela de Barsizia (Padua) y
en la Universidad de Bolonia. Estudió griego, matemáticas, ciencias físicas,
filosofía, música, pintura y escultura.
Tras la muerte de su padre en 1421,
sufrió problemas de tipo económico debido a las diferencias con su familia. Por
ello, decidió comenzar la carrera eclesiástica. En 1432, se trasladó a Roma.
Allí fue nombrado secretario del papa Eugenio IV y aprovechó la estancia para
estudiar los monumentos de la Antigüedad clásica.
En 1434 se incorporó a corte papal
establecida en Florencia. Se introdujo en los ambientes humanísticos y
culturales de la ciudad y entabló amistad con algunos artistas del momento como
Brunelleschi, Donatello y Masaccio.
Alberti comenzó a trabajar como
arquitecto alrededor del año 1430. Sus primeras obras las realizó para la
familia Rucellai en Florencia. Sus edificios están considerados como los
ejemplos más sobresalientes de la arquitectura renacentista.
Destaca más su actividad como teórico que
como constructor, ya que proyectaba todos los elementos al detalle, pero nunca
participaba en la construcción de sus edificios.
OBRAS
FACHADA DE LA IGLESIA DE SANTA MARÍA NOVELLA
Realizada en mármol, y considerada una
obra insignia del renacimiento florentino. Alberti es contratado por la familia
Rucellai para finalizar el diseño y construcción de esta fachada lo cual
logra en el año de 1456. Tuvo que realizar un estudio detallado sobre el estilo
gótico usado por sus predecesores quienes ya habían construido la mayor parte
de la misma para de esa forma lograr combinar los estilos usados de forma
armónica mediante el uso del mármol blanco y verde como material predominante. Se
encargó del diseño de la puerta, frisos y también participó de la parte
estructural. Como elementos del diseño destaca el uso del arco de medio punto,
frontón clásico y uso de formas simples que a su parecer incitaban a la
reflexión religiosa.
FACHADA DEL PALACIO DE LA FAMILIA RUCELLAI
Obra de la cual se hace cargo en el año de 1447, se encuentra basada en el opus reticulatum romano, su fachada es plana y regular. Constituido por el uso de planos los cuales están divididos por cornizas. Posee decoración exquisita con elementos y símbolos pertenecientes a la familia propietaria como son plumas, velas y anillos. En su primer nivel destaca el orden jónico diferenciándose del superior en el cual decidió optar por el corinto lo cual se ha relacionado por varios autores con el Coliseo Romano. Los materiales predominantes son la piedra y el uso de mampostería de arenisca.
DONATO BRAMANTE
BIOGRAFÍA
Nació en el
año 1444 en Monte Andruvaldo, cerca de Urbino.
Su padre le inició en el arte de la pintura y del dibujo, mostrando muy pronto una gran predilección por los estudios de perspectivas y del dibujo arquitectónico, conservándose de su obra más temprana los frescos de la fachada del Palacio del Podestà en Bérgamo, realizados en el año 1477.
En 1482 se trasladó a Milán y comienza su carrera como arquitecto. En su proyecto para la iglesia de Santa María presso San Sátiro (1488, Milán) utilizó por primera vez en la arquitectura el trampantojo en las pinturas del presbiterio fingido, que falsea las proporciones de la iglesia. El resto de sus obras en Milán, como el ábside de Santa María delle Grazie (1492-1495), tiene influencia de Leon Battista Alberti y Leonardo da Vinci.
Cuando en 1499 se produjo la caída del duque Ludovico Sforza, huyó a Roma, donde trabajó casi en exclusiva a las órdenes de su nuevo mecenas, el papa Julio II. Una de sus primeras obras romanas es el Tempietto de San Pietro in Montorio (1502), un pequeño templo circular cubierto por una cúpula semiesférica. La reconstrucción de la basílica de San Pedro y el plan para los palacios del Vaticano, serían los proyectos que ocuparían el resto de su vida.
Donato Bramante falleció en Roma el 11 de marzo de 1514.
Su padre le inició en el arte de la pintura y del dibujo, mostrando muy pronto una gran predilección por los estudios de perspectivas y del dibujo arquitectónico, conservándose de su obra más temprana los frescos de la fachada del Palacio del Podestà en Bérgamo, realizados en el año 1477.
En 1482 se trasladó a Milán y comienza su carrera como arquitecto. En su proyecto para la iglesia de Santa María presso San Sátiro (1488, Milán) utilizó por primera vez en la arquitectura el trampantojo en las pinturas del presbiterio fingido, que falsea las proporciones de la iglesia. El resto de sus obras en Milán, como el ábside de Santa María delle Grazie (1492-1495), tiene influencia de Leon Battista Alberti y Leonardo da Vinci.
Cuando en 1499 se produjo la caída del duque Ludovico Sforza, huyó a Roma, donde trabajó casi en exclusiva a las órdenes de su nuevo mecenas, el papa Julio II. Una de sus primeras obras romanas es el Tempietto de San Pietro in Montorio (1502), un pequeño templo circular cubierto por una cúpula semiesférica. La reconstrucción de la basílica de San Pedro y el plan para los palacios del Vaticano, serían los proyectos que ocuparían el resto de su vida.
Donato Bramante falleció en Roma el 11 de marzo de 1514.
OBRAS
SANTA MARIA DELLA PACE
Santa Maria della Pace («Santa
María de la Paz») es una de las iglesias
de Roma (Italia), en el rione Ponte, no lejos de la plaza Navona. Es un
templo cardenalicio, que en la actualidad ostenta el Arzobispo de Santiago de Chile. El edificio actual fue
construido sobre los cimientos de una iglesia preexistente, dedicada a
Sant'Andrea de Aquarizariis en 1482, encargada por el papa Sixto IV, quien había hecho un voto. La iglesia
fue consagrada a la Virgen María para recordar el milagro de que manara sangre
de una estatua de la Virgen en el año 1480. El autor del diseño original se desconoce, aunque se ha
propuesto a Baccio Pontelli.
En 1656-1667 el papa Alejandro VII hizo que Pietro da Cortona restaurase el edificio, y añadió la famosa fachada barroca
proyectándose desde sus alas cóncavas: esto, ideado para simular un escenario
teatral, tiene dos órdenes y tiene una pronaos semicircular con columnas dóricas pareadas. La iglesia empuja hacia afuera, casi llenando su
pequeña plaza; varias casas tuvieron que demolerse para que Pietro da Cortona
crease incluso este pequeño espacio en miniatura.
El interior, que puede alcanzarse desde
la puerta original del siglo XV, tiene una nave corta con bóveda cruciforme y
una tribuna sobrevolada por una cúpula. Carlo Maderno diseñó el altar mayor (1614) para enmarcar la venerable imagen
de la Virgen y el
Niño.
Rafael comenzó a pintar las cuatro Sibilas recibiendo instrucción angélica
(1514) sobre la entrada con arco, que lleva a una capilla interior, encargo de Agostino Chigi,
el banquero papal. La Deposición sobre el altar es obra de Cosimo Fancelli.
BASÍLICA DE SAN PEDRO
La
construcción del edificio actual se inició el 18 de abril de 1506.
El proyecto fue encargado al arquitecto Donato d'Angelo Bramante,
llegado poco antes desde Milán,
y que se había ganado la confianza del papa por encima del anterior arquitecto, Giuliano da Sangallo.
Incluso se encargó del diseño del Patio del Belvedere.
El proyecto consistía en un edificio con planta de cruz
griega inscrita
en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas, la central de mayor tamaño y
apoyada en cuatro grandes pilares, inspirándose en la Basílica de San Marcos,
y un claro ejemplo de planta centralizada típica del Renacimiento.15 La cúpula
central, inspirada en la del Panteón de Agripa,
se situaba sobre el crucero, y las restantes en los ángulos. Esta idea quedó
plasmada en una medalla acuñada por Caradosso para conmemorar la colocación de
la primera piedra del templo el 18 de abril de 1506. En la construcción de la
iglesia también resultó importante la aplicación de los estudios teóricos de Francesco di Giorgio, Filarete y, sobre
todo, de Leonardo
da Vinci, para iglesias de planta centralizada, cuyos
resultados están claramente inspirados en la planta octogonal de la Catedral de Florencia.
ANDREA PALLADIO (1508/11/30 - 1580/08/19)
BIOGRAFÍA
Nació en Padua, el 30 de
Noviembre de 1508-Maser, actual Italia, fue hijo de un molinero y se formó como
cantero, profesión que ejerció en Vicenza en su juventud.
En 1537, un acontecimiento fortuito cambió su
destino: el literato Gian Giorgio Trissino le encargó la construcción de su
villa en Cricoli, cerca de Vicenza, lo introdujo en los ambientes culturales
más selectos del Véneto y le impuso el nombre de Palladio que significa sabio.
Además, lo llevó consigo en una serie de viajes, en particular a Roma que
permitieron al artista entrar en contacto con la obra de los mejores
arquitectos vivos y estudiar, con una precisión casi arqueológica, los
edificios de la Antigüedad. El conocimiento de estas realizaciones y el estudio
del tratado de Serlio formaron su estilo, absolutamente clasicista, pero muy
innovador al mismo tiempo con respecto a lo que se hacía por entonces.
Combinó elementos del
lenguaje clásico, de acuerdo con las exigencias del emplazamiento o de las
necesidades funcionales de cada edificio y en este sentido se le puede
considerar como un arquitecto manierista. Al mismo tiempo compartió la búsqueda
renacentista de las proporciones armónicas, y sus fachadas se caracterizan por
una excepcional elegancia basada en la sencillez.
OBRAS ARQUITECTÓNICAS
EL PALACIO DE LA RAZÓN O BASÍLICA DE VICENZA
Planta rectangular
Fachada de dos plantas, el piso bajo de
orden dórico y el piso alto de orden jónico.
Con este edificio se inicia el “tramo
rítmico palladiano”, que consiste en inscribir un arco de medio punto con dos
dinteles laterales apeados sobre columnas.
En esta obra
manifiesta su filiación a la tratadíca de Serlio y su absoluto dominio del
lenguaje clasicista aprendido en sus viajes a Roma. Sin embargo este lenguaje
clasicista, nunca abandonado, desde este primer momento es utilizado con una
absoluta libertad y originalidad autónoma que le separa de los debates
manieristas.
LA ROTONDA O VILLA CAPRA
En la Rotonda, Palladio armoniza la
naturaleza y el cálculo de proporciones de la villa, con lo que consigue una
auténtica obra maestra que, con sus cuatro elegantes peristilos jónicos de
acceso nos traslada al clasicismo más puro.
La altura y la longitud del edificio
están perfectamente delimitadas por un sistema de proporción que deriva de
Alberti y, en última instancia de Vitrubio.
Esta combinación de cuadrado (la planta)
y círculo (cúpula) es característica del Renacimiento, aunque como resultado
final se obtiene, gracias a los pórticos, la forma de cruz griega. El conjunto
del edificio refleja simetría, perfección, armonía, en definitiva, los
parámetros del Renacimiento.
En la cúpula, se representa la Religión,
la Benignidad, la Moderación y la Castidad, todo esto representado al lado del
Pantocrátor, el cual ocupa en centro de la representación.
Todos los laterales tienen el mismo
esquema por lo cual podemos hablar de una simetría doble.
Además la edificación fue rotada 45º con
respecto a los puntos cardinales para que cada estancia tuviera iluminación
apropiada.
Planta con forma de cruz griega
Sin duda, la Villa Rotonda o Villa Capra
se puede considerar como la obra más destacada de la trayectoria artística del
arquitecto Andrea Palladio.
Esta representa el modelo de construcción
típica de la aristocracia del cinquecento renacentista:
- · planta de cruz griega
- · cuatro fachadas idénticas
- · no distinción de puntos cardinales
Precisamente la utilidad residencial y
agrícola de la mansión ha hecho que todavía mantenga un buen estado de
conservación, aunque restaurada por su actual propietario, la familia
Valmarana.
El estilo arquitectónico de construcción
de la Villa Rotonda influyó en general en la arquitectura neoclásica de los
siglos XVIII – XIX, sobretodo y posteriormente en Estados Unidos, donde muchas
casas de gente o clase social adinerada se construyeron de esa forma o
semejantemente, como es el caso de la propia Casa Blanca.
Intentando conseguir la misma insolación
en toda la casa, rotó la planta cuarenta y cinco grados con respecto a los
cuatro puntos cardinales.
Tanto la disposición de la planta como la
vista exterior son totalmente simétricas y muestran una concordancia perfecta,
las cuatro fachadas son iguales, tienen exactamente las mismas proporciones y
recuerdan a los templos de la Antigüedad clásica con una escalinata y un
peristilo jónico.
OBRAS DE PINTURA
ADORACIÓN DE MAGOS
Material: Témpera sobre madera.
Estilo: Renacimiento
Italiano.
Se trata de una de
las composiciones más atractivas del conjunto por la cantidad de figuras que se
incluyen, el recurso del paisaje como fondo y la arquitectura del portal donde
encontramos a la Sagrada Familia. Los caballos en diferentes posturas servirán
a autores de posteriores generaciones como Paolo Ucello o Piero de lla
Francesca. Sus figuras gozan de la monumentalidad que acostumbran,
distribuyéndose por el espacio de manera acertada para crear el efecto de
perspectiva. La luz resbala por sus cuerpos y acentúa las tonalidades de los
vestidos, reforzando el incipiente naturalismo que encontramos en la imagen.
Las dos figuras embozadas que forman parte del cortejo podrían tratarse de
retratos por su individualización aunque no están identificados
BAUTISMO A LOS NEÓFITOS
Material: Fresco.Estilo:
Renacimiento Italiano. Está inspirada en los Hechos de los Apóstoles y narra la
conversión al cristianismo que realizó san Pedro con sus predicaciones,
eligiendo el momento en que los neófitos son bautizados, según el Evangelio
unos 3.000. La escena se desarrolla ante un
fondo de paisaje; san Pedro ocupa la zona izquierda de la composición mientras
que un joven desnudo se arrodilla en el río para recibir el agua del bautismo;
tras él se ubica otro neófito desnudo que se cubre con los brazos para sofocar
el frío siendo una de las mejores figuras salidas de los pinceles de Masaccio
al transmitir la sensación casi de temblor de manera soberbia. Las figuras se
integran en el espacio con absoluta perfección, creando incluso un efecto de
atmósfera al desdibujar los contornos de los hombres del fondo. La iluminación
empleada resalta el colorido y la volumetría de los personajes, interesándose
el maestro por la anatomía clásica, como vemos en los desnudos.
BRUNELLESCHI FILIPPO
BIOGRAFÍA
Nació el
15 de abril de 1377 en Florencia,
donde recibió formación como orfebre.
En el
año 1401 participó en el concurso para el diseño de las puertas de bronce del baptisterio
de su ciudad, pero no resultó elegido. Conoce a Donatello, de quien llegó a ser amigo íntimo y al que debe su afición a la
escultura y con el que viaja a Roma, donde estudia los monumentos de la
Antigüedad clásica.
Posteriormente,
se dedica a la arquitectura, y
en 1418 recibió el encargo de construir la cúpula inacabada del Duomo,
la catedral gótica de Florencia. Su proyecto consistía en la superposición de
dos bóvedas esquifadas octogonales, una dentro de otra. Gracias a esta
disposición, los esfuerzos quedaban repartidos junto con una ligereza
excepcional, y se convirtió en el modelo constructivo de cúpula durante varios
siglos. Su estructura inicial contaba con ocho nervios que sirven de apoyo para
el resto de los elementos decorativos.
Desarrolló
otros edificios florentinos, como la iglesia de San Lorenzo (1418-1428) y el Hospital de los Inocentes (1421-1455). Al final de su carrera,
proyecta edificios como la inacabada iglesia de Santa María degli Angeli (comenzada en 1434), la basílica del Santo Spirito (comenzada en 1436) y la
Capilla Pazzi (comenzada en
1441).
El
llamado padre del Renacimiento, falleció en Florencia el 16 de abril de 1446.
OBRAS
DUOMO
La Basílica
de San Lorenzo es una basílica italiana de culto católico de la
ciudad de Florencia, ubicada en la Plaza de San Lorenzo. Su construcción fue encargada por Cosme de Médici al
arquitecto Filippo Brunelleschi quien trabajo en su construcción desde 1422 hasta 1470, fecha en la que asumió su construcción Antonio Manetti; debido a la muerte del anterior.
Está inspirada en la Basílica de la Santa Cruz que es una iglesia gótica. Está dividida en
tres naves y capillas laterales. En el centro del crucero hay una
cúpula y este está rodeado por capillas. Frente al centro del crucero ya que
esta es la capilla mayor.
Su planta es de cruz latina con tres naves y capillas
laterales, casi basilical, extremadamente longitudinal, en cuyo crucero, de
desarrollo escaso, se dispuso una cúpula con linterna. El espacio quedó matemática y
geométricamente modulado por el círculo inscrito en un cuadrado, que actuó como
medida de las proporciones con referencia siempre a la figura humana. Se
emplearon elementos arquitectónicos muy armoniosos, que citan el mundo clásico
a través de la influencia de las primitivas basílicas cristianas, como, por
ejemplo, la techumbre de artesonado con casetones cuadrados en la nave central, el entablamento corrido y los ricos capiteles corintios sobre columnas monolíticas en esa
nave central y sobre pilastras en las laterales. Brunelleschi empleó un ritmo arquitectónico peculiar en la
nave central que se inicia en la columna como soporte, un trozo de entablamento
decorado sobre el capitel compuesto y el arco acanalado encima de él. Utilizó bóvedas vaídas en las naves laterales. Este arquitecto
jugó además con la alternancia del colorido para lograr el dicromatismo propio
de la arquitectura tradicional florentina. El módulo es el
cuadrado central que inscribe la cúpula y es igual en medida al de la capilla
central. Cada tramo de la nave central es la mitad del módulo y un cuarto de
módulo cada tramo de la nave lateral.
En altura, la protagonista es la columna, así la
altura de la nave central es el doble de su ancho. En relación con las
laterales, en anchura y altura son iguales. La relación de altura entre los
arcos que comunican la nave lateral con las capillas laterales tiene una
relación de 5/3.
La luz proviene de las ventanas. Las bóvedas son
vaídas en la nave lateral y los óculos hacen que la luz aparezca más tenue. Las
capillas son oscuras. En conclusión, la gradación luminosa acentúa la
perspectiva.
El techo tiene casetones copiados del Panteón de Agripa. Pero también hay otros muchos elementos clásicos
como las pilastras, arcos,
etc. También utiliza el dicromatismo.
HOSPITAL DE LOS INOCENTES
Fue un orfanato de niños de Florencia, diseñado
por Filippo Brunelleschi, quien recibió el
encargo en 1419. Está
considerado un notable ejemplo de la arquitectura del primer renacimiento
italiano. El hospital, con una galería frente a la Plaza de la Santísima
Anunciara, fue construido y dirigido por el "Arte de la Seta" o
Gremio de la Seda de Florencia. Este gremio era uno de los más ricos de la
ciudad y como la mayor parte de las cofradías, asumía obligaciones filantrópicas.
El diseño de Brunelleschi se basó tanto en la arquitectura de la Antigua Roma como en la arquitectura gótica tardía. La galería o logia era un tipo de construcción bien conocido,
como la Loggia dei Lanzi. Pero el uso de columnas redondas con capiteles de corrección clásica, en este caso de orden
compuesto era una novedad, lo mismo que los arcos
circulares y las cúpulas esféricas tras ellas. Los elementos arquitectónicos
estaban articulados en piedra gris que destaca contra el blanco de las paredes.
Este motivo se llegó a conocer como pietra
serena que significa piedra oscura. También era novedad la lógica
proporcional. La altura de las columnas, por ejemplo, no es arbitraria; si se
traza una línea horizontal a lo largo de lo alto de las columnas, se crea un
cuadrado con la altura de la columna y la distancia de una columna a la
siguiente. Esta ansia de regularidad y orden geométrico se convertiría en un
importante elemento en la arquitectura renacentista.
En el extremo izquierdo del pórtico está la ruota, un torno de piedra para meter al niño en el edificio sin
que se viera al padre. Esto permitía a la gente abandonar a sus hijos
anónimamente, para que fueran cuidados en el orfanato. Este sistema siguió
funcionando hasta el cierre del hospital en 1875. Hoy el edificio
aloja un pequeño museo de arte renacentista.
PAOLO UCCELLO
BIOGRAFÍA
Pintor renacentista italiano
cuyo verdadero nombre era Paolo di Dono, destacado por sus innovaciones en el
uso de escorzos y de la perspectiva lineal. Nació en Florencia y recibió su
primera formación del artista florentino Lorenzo Ghiberti. En 1425 marchó a
Venecia para diseñar los mosaicos de la fachada de San Marcos. De nuevo en
Florencia, en 1436 pinta el fresco del condottiero inglés sir John Hawkwood
para la catedral de Florencia, donde triunfa su ansia de volumen y
monumentalidad. En torno al año 1444 realiza una serie de vidrieras para la
catedral, una de las cuales, La Resurrección, se conserva todavía en su lugar
originario. También se conservan fragmentos de sus frescos en el claustro de
Santa María Novella, en Florencia, que datan de 1447 y representan la creación
y el diluvio universal. Sus obras más famosas son sin duda las tres versiones
que realiza de la Batalla de San Romano (Uffizi, Florencia; Louvre, París;
National Gallery, Londres), a fines de la década de 1440. En ellas destaca la
figura monumental del caballo, visto en los más violentos escorzos. Por otro
lado, éstas y otras obras como La cacería (1468, Ashmolean Museum, Oxford)
reflejan su perfecto dominio de la perspectiva y un cierto sentido decorativo
en sus composiciones.
OBRAS
BATALLLA DE SAN ROMANO
La utilización de un tema que
en principio parece exigir una representación "naturalista", como
pretexto para una investigación de índole casi abstracta sobre la naturaleza del
espacio, le condujo a la configuración de un mundo forzosamente extraño por
cuanto comportaba el desprecio de los datos sensibles. Lanzas, cascos, caballos
y soldados se disponen sobre la superficie pictórica como datos previos de una
ecuación matemática para cuya resolución se hiciera necesario reducir a términos
fijos un determinado número de variables. Los caballos adquieren una dureza de
cartón piedra, los contornos asumen una rigidez cortante y ello, junto a la
esplendente policromía -aquí y allá de tonos planos y arbitrarios-, acaba por
producir una atmósfera surreal. Quizá no ande desencaminada la idea de
Heydenreich y el pintor intentara conseguir aquí un género nuevo de decoración
mural inspirándose en los tapices o en los trabajos de taracea, pero en éstas más
que en cualesquier otras obras, lo que se hace evidente es que Uccello se mueve
en el campo de lo puramente mental y no en el de las sensaciones.
La luz y el objeto alcanzan
un acentuado nivel de irrealidad, pero ello no supone entender la luz como fenómeno
metafísico y simbólico a la manera medieval, sino como el efecto de lo que podríamos
llamar luz escénica.
Los objetos aparecen
aislados, delimitados en su propio valor lumínico, y cumplen una función
estructural, porque sirven como elementos a través de los cuales se desarrolla
toda la trama perspectiva del escenario.
EL DILUVIO Y LA RETIRADA DE
LAS AGUAS
Las dos escenas de la luneta
parecen reagrupadas en una sola, con la perspectiva que se pierde a lo lejos,
en las aguas turbulentas, pero cada una de ellas tiene un punto de fuga
diferente, determinado por cada una de las dos caras opuestas del arco. Su
rigor de construcción, su riqueza cromática, sus delicadas óptico-perspectivas,
su amplitud, su audacia, diferencian claramente esta escena de las góticas “Escenas
del Génesis” en el mismo claustro. Parece que se haya querido subrayar
expresamente su individualidad dentro del interior del gran ciclo del cual sin
embargo forma parte. Ello fue seguramente una elección deliberada de los comitentes,
probablemente madurada después de una pausa en la ejecución de los frescos.
SANDRO BOTTICELLI
(Alessandro di Mariano Filipepi; Florencia, 1445 - id., 1510)
Pintor italiano. Muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta
entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien
en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un
estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo.
En 1470, Botticelli, que contaba ya con un taller propio, se introdujo
en el círculo de los Médicis, para los que realizó sus obras más famosas. Un
primo de Lorenzo el Magnífico, Pier Francesco de Médicis, le encargó la
alegoría de La primavera y también, al parecer, El nacimiento de Venus y Palas
y el centauro.
Fue toda una novedad en aquella época realizar obras de gran formato que
no fueran de temática religiosa, y ello se debió seguramente a la vinculación
del mecenas con la filosofía neoplatónica, cuyo carácter simbólico debían
reproducir las obras encargadas. De ellas se han realizado interpretaciones de
enorme complejidad, que van mucho más allá de su gracia evocadora.
A la misma época corresponden también La adoración de los Reyes Magos y
el Díptico de Judit, obras igualmente emblemáticas. El hecho de que en 1481
fuera llamado a Roma para decorar al fresco la Capilla Sixtina junto con otros
tres grandes maestros, hace suponer que ya gozaba de un gran prestigio. A su
regreso a Florencia realizó obras, como la Natividad mística, más solemnes y
redundantes, probablemente influido por la predicación tremendista de
Savonarola. Se le deben también bellísimos dibujos para un manuscrito de la
Divina Comedia de Dante.
Eclipsado por las grandes figuras del siglo XVI italiano, Botticelli ha
permanecido ignorado durante siglos, hasta la recuperación de su figura y su
obra a mediados del siglo XIX. Su estilo se perpetuó en cierto modo a través de
los artistas formados en su taller, entre ellos el hijo de Filippo Lippi, Filippino
Lippi.
OBRAS
NACIMIENTO DE VENUS
El nacimiento de Venus (en italiano: Nascita di Venere) es una pintura
de Sandro Botticelli (1445 - 1510). El nacimiento de Venus representa una de
las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y
mide 278,5 centímetros de ancho por 172,5 cm de alto. Se conserva en la Galería
de los Uffizi, Florencia.
PRIMAVERA
La composición muestra una disposición simétrica, con una figura central
Venus la diosa del amor, la belleza y la fertilidad, que parte la escena en dos
mitades y marca el eje.
Mientras algunas de las figuras estaban inspiradas por esculturas
antiguas, estas no eran copias directas sino adaptadas al lenguaje formal
propio de Botticelli: figuras de elevada estatura, delgadas, ligeramente
alargadas, muy idealizadas, muy dibujadas con unas limpias líneas que marcan
los perfiles, cuyos cuerpos a veces parecen artificiosamente estirados y
presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI. Como fuente
iconográfica para la representación de las tres Gracias Botticelli parece
recurrir a la Puerta del Paraíso realizada por Ghiberti en el Baptisterio de
Florencia, en particular el grupo de siervas en el relieve de Esaú y Jacob.
Las figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus
ropajes, de colores claros e incluso transparentes. Esta palidez en los colores
muestra la anatomía del desnudo, que da más volumen a la representación, esta
técnica recuerda a la de los paños mojados de Fidias. La luz unifica la escena,
incluso parece emanar de los propios cuerpos.
La composición participa del fondo arbolado, con un bosque ordenado y
vertical para servir de fondo, casi plano y severo, a la danza y al corro. Los
personajes se sitúan en un paisaje de naranjos, árboles tradicionalmente
relacionados con la familia Médici. No obstante, hay quien apunta a que son en
realidad mandarinas, cuyo nombre clásico, medica mala, aludiría a los Médici.
Detrás de Venus hay un mirto, planta tradicionalmente sagrada para ella.
Mientras, la parte derecha está hecha de árboles doblados por el viento o por
la fuerza creadora, en concreto laureles, lo que sería una alusión al novio, Lorenzo,
en latín Laurentius. El paisaje es arbitrario, este tipo de escenarios
sometidos a la razón son muy típicos del quattrocento.
El suelo es una capa de hierba muy oscura en la que están detalladas
flores típicamente toscanas que aparecen en el mes de mayo. Son también
reconocibles las de Flora: en la cabeza lleva violetas, aciano y una ramita de
fresas silvestres; en torno a su cuello, una corona de mirto; en el manto lleva
rosas; por último, va esparciendo nomeolvides, jacintos, iris, siemprevivas, clavellinas
y anémonas.
ANDREA MANTEGNA
BIOGRAFÍA
Uno de los más
grandes pintores del Quattrocento italiano, nace en el año 1431 en una pequeña
localidad del Véneto. De orígenes humildes, huérfano, criado por su hermano
mayor y por Francesco Squarcione, pintor y coleccionista paduano, el cual lo
llevaría dentro de los círculos humanistas de Padua dándole una formación
clásica, visita Venecia y conoce las
obras de: Donatello, Filippo Lippi y Paolo Uccello.
A los 17 años rompería con Francesco
Squarcione para establecerse por su cuenta, recibiendo sus primeros encargos
que le harían ganar una cierta reputación, llevándolo a uno de sus tantos
viajes a Venecia, para casarse con una hija del reconocido pintor Giovanni
Bellini.
Pintor de cámara en la corte de los Gonzaga
en Mantua, dedicándose la mayor parte de su vida al servicio de los diferentes
mandatarios mantovanos.
Tras un breve periplo romano reclamado en
1487 por el Papa Inocencio VIII regresa a Mantua, donde se incorporaría al
estudio de Isabella d'Este, esposa del Duque Francesco II Gonzaga, la cual,
supo rodearse de los mejores pinceles del momento. Por la presencia de nuevos
artistas, decayó su situación económica trayéndole problemas de salud, el cual
en 1506 y a los 75 años de edad, fallecería en Mantua.
OBRAS
RETABLO DE SAN ZENÓN (PALA DI SAN ZENO)
Realiza un retablo para la iglesia de San
Zenón de Verona en su taller de Padua la cual es enviada una vez finalizada a
Verona en el año1459, está considerado el primer retablo plenamente
renacentista del norte de Italia, presentando una disposición arquitectónica de
tres calles separadas por columnas clásicas y un remate a modo de frontón
semicircular.
En el cuerpo superior preside la imagen
de la Virgen con el Niño flanqueada por los Apóstoles divididos entre las dos
tablas laterales, mientras que en la predela, aparecen las escenas de la
Oración en el Huerto, la Crucifixión y la Resurrección de Cristo.
Es perfectamente observable en todo el
conjunto como Mantegna se ha desprendido totalmente de cualquier rasgo de
arcaísmo en favor de un gusto plenamente moderno, caracterizado tanto por el
naturalismo de los paisajes como por el gusto plenamente clasicista de las
arquitecturas.
LAMENTO SOBRE CRISTO MUERTO
Magnífico estudio de anatomía que
representa la culminación del estilo duro, casi escultórico, e intensamente
dramático de su autor: el cadáver aparece encima de una mesa, cuya superficie,
lisa y rígida, introduce un factor de expresión dramática; el cuerpo está visto
desde los pies, de manera que sus dimensiones se acortan de forma brutal.
Se determina el descubrimiento de formas
anatómicas que casi nunca aparecen en la pintura antigua: el torso modelado por
una luz rasante, y el volumen y la textura de los pies descritos con detalle.
La simplicidad de las superficies anatómicas contrasta con el plegado de la
tela
La Virgen, acompañada por san Juan y una
tercera figura de la que sólo es visible la parte inferior del rostro, se
encuentra a la izquierda ahogada en llanto: su boca se contrae en un rictus de
dolor inusitado en la pintura de esta época y que, sin duda, anticipa el gusto
manierista por la expresión rebuscada.
Escasos toques de color animan los
rostros, de manera que el conjunto posee una virtud monocromática que acentúa
su dramatismo; a idéntico propósito responde la cruda descripción de los
orificios de los clavos en las manos y pies de Cristo, cuyos tejidos han sido
desgarrados con un realismo que requiere la observación por el pintor de
cadáveres lacerados.
La figura ha sido
representada en un impresionante escorzo y reducida a un tratamiento
perspectivo que determina que pueda ser vista desde distintos puntos, alterando
la rígida estaticidad monofocal.
LEONARDO DA VINCI
BIOGRAFÍA
Leonardo Da Vinci era científico y
artista italiano de un talento excepcional. Nació en Vinci (Italia) en 1452 y
murió en Amboise (Francia) en 1519. Está considerado un humanista universal y
el que más contribuyo en el Renacimiento. Leonardo retuvo consigo el retrato de
Mona Lisa hasta su muerte, no dejó de trabajar en él y, por supuesto, jamás se
lo entregó a su cliente. Desde 1513 a
1516 vivió en Roma, donde en ese momento trabajaban pintores como Rafael y
Miguel Ángel; no tuvo sin embargo mucho contacto con estos artistas. Leonardo
era un pintor compulsivo que a menudo planeaba grandes obras pictóricas para
abandonarlas sin terminar. Sus detallados estudios de la anatomía, como por
ejemplo el Hombre de Vitruvio, son quizá más impresionantes que sus trabajos
pictóricos, al igual que sorprenden aún sus trabajos sobre ingeniería, los
pájaros, el vuelo y otras áreas que suscitaron su insaciable curiosidad.
OBRAS
LA GIOCONDA
La técnica utilizada es óleo sobre una
tabla de 77 x 53 cm.
La composición está formada por dos
planos, la Gioconda (podríamos decir que forma una composición triangular) y el
paisaje.
La Gioconda es el comienzo del paisaje y
el cielo, que asciende hacia el horizonte, es el final, ya que todos los
elementos del paisaje se confunden entre sí, porque las líneas de contorno están
muy poco marcadas, utiliza la técnica de sfumato, difumina los rasgos hasta
hacerlos indefinibles pertenece Renacimiento s XVI "Cinquecento".
El dibujo, el contorno y la perspectiva
pierden la primicia para dar paso a la luz que adquiere mucha importancia
juntamente con las sombras (dan profundidad a la obra).
LA ULTIMA CENA
Es una obra construida sobre la simetría
y la perspectiva como efectos básicos de la composición, estando Jesús en el
centro del cuadro en sentido horizontal y a su vez está justo en el punto de
fuga de la perspectiva central.
La técnica empleada es de Temple y óleo
sobre yeso.
La pintura es religiosa y se encuentra en
el Refrectorio de Santa María delle Grazie (Milán).
Pertenece al
Renacimiento (Cinquecento)
MIGUEL ÁNGEL (Michelangelo Buonarroti)
BIOGRAFÍA
Miguel Ángel, fue un pintor, arquitecto y escultor
renacentista de la época, nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese,
Republica de Florencia-Italia y murió en Roma-Italia el 18 de febrero de
1564. Considerado uno de los mejores artistas de la historia, debido a sus
maravillosas esculturas, pinturas y obras arquitectónicas, de Buonarroti si se
conservan esculturas, pinturas y obras arquitectónicas como es la Fachada
de la Basílica de San Lorenzo en Florencia, la Biblioteca Laurenciana
donde realizó la sala de lectura, el artesonado de la sala de lectura,
el vestíbulo, las escaleras, el grabado de la plaza del Capitolio, entre
otras.
OBRAS
LA CONVERSIÓN DE SAN PABLO
La Conversión de San Pablo, es una obra pictórica de
Miguel Ángel, técnicamente es un fresco (Un fresco es
una pintura realizada sobre una superficie cubierta con dos capas
de mortero de cal), se encuentra en la Capilla Paolina del Palacio Apostólico en
la Ciudad del Vaticano, data de 1542 a 1542, mide 6.25m de alto y 6.61m de
ancho, debido a que el autor trabajaba mucho en frescos, esta técnica ya
se apodero totalmente de él, pero en este fresco, la obra fue muy criticada,
debido a que las figuras huyendo en desorden no fueron bien recibidas.
EL JUICIO FINAL
Miguel Ángel es el creador de una gran
obra pictórica El Juicio Final o El Juicio Universal, es un mural
realizado al Fresco, para decorar el ábside de la Capilla Sixtina en Roma en la
Ciudad de vaticano (El ábside es la parte de
la iglesia situada en la cabecera. Generalmente tiene planta
semicircular pero puede ser también poligonal), El Juicio Final es un enorme
conjunto pictórico que mide de altura 13.70m y de ancho 12.20m, es de
genero religioso cuyo tema es extraído del Apocalipsis de San Juan.
RAFAEL SANZIO
BIOGRAFÍA
(6 de abril de 1483-6 de abril de 1520)
También conocido como Rafael de Urbino o simplemente Rafael, fue un pintor
y arquitecto italiano.
su obra está impregnada de un equilibrado clasicismo. su estilo es la
mejor expresión de la “belleza ideal”. su aprendizaje de p. de la francesca,
leonardo, y m. ángel convierten a rafael en el artista que mejor representa el
sincretismo renacentista.
Algunas de sus obras: Retablo Baronci (una pala de altar para la iglesia
de San Nicolás de Tolentino); pinturas como, Los desposorios de la Virgen, La
Escuela de Atenas, La resurrección de Cristo , Sagrada Familia con la Virgen
del Velo y La coronación de la Virgen; tapices con escenas de la vida de San
Pedro.
OBRAS
LA ESCUELA DE ATENAS 1509 D.C.
Plantea una ordenación ideal de la
cultura humanista en clave cristiano-platónica: el saber humano como
complementario de la revelación. Así, el ciclo de los frescos de las Estancias
está consagrado a la celebración de las ideas de Verdad, Belleza, Bien; en la
Disputa es la Verdad revelada por la religión cristiana la que es exaltada, en
la Escuela de Atenas lo es la Verdad racional de la especulación filosófica.
Expresa también en esta obra la
concepción propiamente renacentista de la obra artística entendida como
discurso mental, no sólo traducido de forma visible, sino también como búsqueda
de la "idea". Se ha querido ver en esta pintura una representación de
las siete artes liberales. En el primer plano, a la izquierda: Gramática,
Aritmética y Música, a la derecha: Geometría y Astronomía y en lo alto de la
escalinata Retórica y Dialéctica. En definitiva una continuidad entre el
conjunto del saber antiguo y moderno teniendo como protagonista al hombre.
Platón y
Aristóteles están en el centro ideal de la perspectiva de toda la
composición encuadrados en el fondo del cielo por el último arco. A la
izquierda Sócrates conversando con Alejandro Magno, armado. La configuración de
la arquitectura del templo de la sabiduría, con los nichos de Apolo y Palas
Atenea, como espacio renacentista y la representación de los sabios de la
antigüedad como hombres contemporáneos de Rafael subrayan esta idea de
continuidad entre el presente y el mundo antiguo.
Fresco, 770 cm
-
Stanza della Segnatura, Palacio Pontificio, Vaticano
MADONNA DE BELVEDERE (MADONNA DEL PRATO) 1506 D.C.
Interpreta de la belleza femenina a través
de sus “madonas”. Rafael es la gracia, el encanto poético, sobre todo en sus
obras de juventud.
Su paleta cromática es luminosa
y colorista, pero mesurada, buscando siempre la complementariedad de los colores cálidos y fríos. Óleo sobre
madera
113 x 88 cm
Kunsthistorisches Museum, Viena.
113 x 88 cm
Kunsthistorisches Museum, Viena.
TIZIANO VECELLIO (ITALIA, 1490-VENECIA, 1576)
BIOGRAFÍA
Pintor
italiano, recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del
que salió a los dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione. La
concepción poética de la pintura En la obra Amor sagrado y amor profano, lienzo con el que se consagra ya
como un maestro del desnudo femenino, además de manifestar un talento natural
en la plasmación del paisaje, no tardó en convertirse en el artista más
importante de Venecia.
Aunque
sus obras son las de tema alegórico y mitológico, el artista comenzó la parte
más brillante de su carrera con una serie de retablos de colores fuertes y
contrastados y figuras poderosas, son obras de composición enérgica que
muestran una gran vitalidad, se reveló también como un gran retratista. Su
estilo pictórico evolucionó hacia composiciones menos dinámicas, más pausadas,
y hacia colores mucho más claros y complementarios en lugar de contrastados.
Realizó un viaje a Roma, e hizo un nuevo tratamiento del color a base de
pinceladas largas y atrevidas, y de manchas y toques que deshacen las formas y
dan una apariencia ligera y agradable a las pinturas, lo cual esconde el gran
trabajo subyacente. Realizó una serie de cuadros de tema mitológico denominados
por el propio pintor (poesías) por su carácter idílico y distante.
OBRAS
AMOR SAGRADO Y AMOR PROFANO
Año: 1514
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones:
118 x 278 cm
Procedencia: Colección del cardenal Scipione Borguese
Procedencia: Colección del cardenal Scipione Borguese
Es un desnudo femenino,
manifestación natural en la plasmación del paisaje. La mujer sentada lleva, de hecho, todos los
ornamentos de una novia: el vestido blanco, los guantes, el cinturón, y la
corona de mirto, símbolo del amor conyugal. La palangana en el borde de la
fuente, parte integrante del ajuar porque se utiliza después del parto y la
pareja de conejos en el fondo representan, sin embargo, el deseo de una unión
fructífera. Inspirado en los ideales de la doctrina neoplatónica, una de las
principales interpretaciones identifica a la mujer con el brasero en la mano
con la Venus Celeste, imagen de la belleza universal y espiritual y a la mujer
vestida ricamente con la Venus Vulgar, símbolo del poder generador y terreno de
la naturaleza. Cupido, sorprendido en el acto de verter el agua, representaría,
por lo tanto, el amor como un intermediario entre el cielo y la tierra. Revela
una lectura en clave moralista de la desnudez de la mujer a la izquierda que
debe interpretarse, en cambio, en el sentido clásico, como un canon de
sencillez y pureza.
VENUS DE URBINO, TAMBIÉN LLAMADA VENUS DEL PERRITO
Autor: Tiziano Vecellio
Año:
1538
Técnica:
Óleo sobre lienzo
Dimensiones:
119 cm x 165 cm
Procedencia: Galleria degli Uffizi (Florencia).
Representa
a una joven desnuda tendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete
veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves
reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol, al lado de la
ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando
ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja
de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito, la presencia del perro es
signo de que la representada no
es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe
exactamente quién es, el perro, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente,
dormido.
Aunque
esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del
Giorgione,
es evidente que se aleja del idealismo característico del Renacimiento italiano.
La mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente
consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez, ella mira de un modo dulce,
cómplice y decidido al que la observa, mientras su mano izquierda se apoya
sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición. Las flores en la mano
derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz
casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce
una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del
fondo y el colchón, en efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca
una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de la mujer. La fuga de la perspectiva
se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas figuradas
totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de realismo,
la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y los sucesivos
planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas. Todo esto hace
destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una elegante línea
oblicua.
JACOPO ROBUSTI IL TINTORETTO
BIOGRAFÍA
Nació el 29
de septiembre de 1518 en Venecia. Tomó el sobrenombre de la
profesión de su padre que era tintador.
Considerado, junto a Veronés, el representante más importante de la Escuela Veneciana de
la generación posterior a Tiziano.
Estudió
durante diez días con Tiziano. Vivió y trabajó siempre en Venecia, dedicando su
obra a las iglesias, hermandades y gobernantes de la ciudad. Recibió
influencias de Miguel Ángel y de Andrea Schiavone. Autor del San Marcos (1548, Academia, Venecia) para la
Scuola di San Marco en Venecia.
Tuvo muchos
aprendices entre los que destacaban sus hijos Marietta y Domenico, cuyas aportaciones son a
menudo muy difíciles de distinguir de sus propias obras. Trabajó los contrastes
de luz y sombra, las perspectivas, escorzos forzados y grupos escenográficos.
Casado con Faustina Episcopi desde
1550, su vida se desarrolló entre su casa y su estudio, ambos en el mismo
edificio, la Fondamenta
dei Mori.
Tintoretto
falleció en Venecia el 31 de mayo de 1594.
OBRAS
EL LAVATORIO DE PIES
El
lavatorio de pies es una obra que representa en el lado derecho de la pintura,
mientras que parecería más lógico que ocupara el espacio predominante en el
mismo centro de la tela. La profundidad a las dos dimensiones del cuadro, al
fondo vemos un gran arco que se abre a un estanque, que a su vez se cierra con
un nuevo arco en la perspectiva más lejana, y se rodea todo ese espacio
exterior de arquitectura.
LA ULTIMA CENA
La última cena (1594) es una obra, la mesa se dispone en una
fuerte diagonal con los personajes diseminados a su alrededor ocupando gran
parte del espacio, En contraposición ciertas zonas en la profundidad del cuadro
presentan un aspecto inacabado.
DONATELLO
BIOGRAFÍA
(Desconocido - 1466/12/13)
Donato di Niccolò di Betto
Bardi
Escultor italiano
Nació en 1386
en Florencia, hijo de un cardador de lana. Cuando cumplió 17 años
trabajó como ayudante de Lorenzo Ghiberti en la construcción y
ornamentación de las puertas de bronce del baptisterio de San Juan de
Florencia. Algún tiempo después, también colaboró con Filippo
Brunelleschi.
En su carrera artística se
pueden establecer tres periodos. El primero se desarrolla hasta 1425, y en él
se puede observar influencia de la escultura gótica, aunque también revela
tendencias clásicas y realistas; destacan entre las esculturas de este periodo
las estatuas de San Marcos (1411-1412, iglesia de Orsanmichele,
Florencia), San Jorge (1415-1417, Bargello, Florencia), san Juan
Evangelista (1413-1415, Opera del Duomo, Florencia)
y Josué (1418, campanile de la catedral de Florencia). En el segundo
periodo (1425-1443) predomina la utilización de modelos y principios
escultóricos de la antigüedad clásica.
Hacia 1443, trasladó su taller
a Padua. Entre 1425 y 1435 trabajó con el escultor y arquitecto
florentinoMichelozzo en varios proyectos, entre los que se encuentra el
monumento dedicado a Bartolomeo Aragazzi (catedral de Montepulciano).
Entre 1430 y 1433 viajó en varias ocasiones a Roma, donde creó varias
obras, de las que la más notable es el cáliz de la sacristía de la
basílica de San Pedro, decorado con los relieves de La adoración de los ángeles
y El entierro de Cristo. Sin embargo, fue en Florencia donde creó la obra
más notable de este periodo, su David en bronce (c. 1430-1435,
Bargello), primer desnudo exento de la escultura renacentista.
Su tercer periodo se aleja de la influencia clásica y pone mayor énfasis en el realismo y en el dramatismo de la acción: Los milagros de san Antonio (San Antonio, Padua); El Gattamelata (en la plaza que está delante de la basílica de San Antonio) y Judith y Holofernes (Piazza della Signoria, Florencia).
Su tercer periodo se aleja de la influencia clásica y pone mayor énfasis en el realismo y en el dramatismo de la acción: Los milagros de san Antonio (San Antonio, Padua); El Gattamelata (en la plaza que está delante de la basílica de San Antonio) y Judith y Holofernes (Piazza della Signoria, Florencia).
Donatello falleció en Florencia el
13 de diciembre de 1466
OBRAS
ESCULTURA DAVID DE DONATELLO. 1440.
Esta obra fue realizada en
bronce fundido y pulido. En principio la escultura se colocó en el patio del
palacio de los Médicis, pero cuando Piero de Médicis fue expulsado de la ciudad
la estatua fue trasladada al patio del Palazzo Vecchio, sede de la señoría de
la república. Actualmente se halla localizada en el museo del Bargello de
Florencia.
La textura de su superficie es
lisa y pulida, pues el artista parece imitar el aspecto de la piel humana,
intentando hacer más verosímil dicha escultura, lo cual además proporciona una
cierta sensación de blandura y tersura.
La escultura puede ser
contemplada desde distintos puntos de vista y el contrapposto, así como la
cabeza ligeramente girada hacia un lado, rompen totalmente con la ley de la
frontalidad.
La pose de la figura nos
remite hacia una composición reposada y serena, casi estática, mostrando una
gran serenidad interior después de haber conseguido la victoria sobre su rival.
La composición es plenamente
figurativa con la búsqueda de la belleza ideal en la imagen de un David adolescente.
El cuerpo de David aparece representado como si de un Dios olímpico se tratara.
Un joven de anatomía blanda apenas desarrollada y que adopta la postura
clasicista del contrapposto apoyando el peso del cuerpo sobre la pierna
derecha, cuya cadera sobresale recreando la curva praxiteliana. El rostro
imberbe del joven David expresa serenidad y contrasta con el vencido Goliat
cuyo rostro barbudo de facciones marcadas y maduras contrastan con las de su
oponente.
EL CONDOTTIERO GATTAMELATA
(Bronce, 1447-1450,
Plaza del Santo, Padua). Esta escultura ecuestre sobre podium decorado con
motivos clásicos se encuentra frente a la fachada principal de la Basílica de
San Antonio en Padua. El artista se inspiró en la estatua ecuestre de Marco
Aurelio de Roma. Se convertirá en el prototipo de las esculturas ecuestres del
Renacimiento que al mismo tiempo son retratos. Vasari alabó su maestría en la
ejecución de las proporciones.
Se trata de un guerrero
victorioso, un héroe tal y como se refleja en la literatura renacentista. Pero
también destaca el trabajo realizado en el animal, el caballo va ganando
conforme se le rodea, gira su cabeza ligeramente hacia la izquierda marcando
mucho el cuello. El animal va marcando el paso, por lo que el artista tiene que
buscar un punto de apoyo artificial para conseguir el equilibrio dado el enorme
tamaño de la escultura y para que no se venciera hacia la izquierda. Inspirará
a otros artistas como Il Verrochio.
El rostro del Condottiero es todo un ejemplo de análisis psicológico, enérgico, fuerte, poderoso, aunque muestra cierta rigidez.
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